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| Aftersun (Charlotte Wells, 2022) |
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| En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín, 2007) |
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| Toby Dammit (Federico Fellini, 1968) |
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| Le samourai (Jean-Pierre Melville, 1967) |
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| In the mood for love (Wong Kar Wai, 2000) |
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| Fallen Angels (Wong Kar Wai, 1995) |
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| Chungking Express (Wong Kar Wai, 1994) |
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| Yi Yi (Edward Yang, 1999) |
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| A brighter summer day (Edward Yang, 1991) |
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| Matador (Pedro Almodóvar, 1986) |
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| The Friends (Shinji Somai, 1994) |
En 2022 he visto tan solo diez películas en las salas de cine. No es
un número muy elevado, no llega ni siquiera a una al mes y lamento haber
dejado pasar algunas películas. Entre las películas vistas, predominan
las españolas, cuatro sobre diez (aunque solo dos y un tercio son en castellano, siendo una de estas no española). Podría ser una evidencia de la "buena
cosecha de cine español" de la que se habla desde los medios, o también,
como señaló Albert Serra, una muestra de ombliguismo. Tres de las diez
son películas de mujeres (no ha sido un resultado buscado, que estén tranquilos los Cowboys de medianoche, simplemente
ha sido así porque esas eran las películas que me interesaba ver, y si el porcentaje es tan destacado será porque el cine ya ha dejado de ser una cosa solo de hombres). En cuatro de las diez aparecen también escenas que reflejan el periodo de la pandemia de 2020-2021.
DRIVE MY CAR (Ryusuke Hamaguchi) 8,6 / 10
Drive my car es una película sobre dualidades: historias contadas en la cama e historias contadas en el teatro, la palabra y el silencio, el norte y el sur de Japón, el calor de Hiroshima y frío de Hokkaido, las tragedias leídas y las tragedias vividas. La palabra tiene en esta película un sentido terapéutico; el mismo que el viaje, que no solo es geográfico, sino también hacia el núcleo traumático de los personajes. Es una película de ritmo pausado y suave, como el viaje que propone.
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LA PEOR PERSONA DEL MUNDO (Joachim Trier) 8 / 10
La peor persona del mundo ofrece una visión panorámica y episódica de la vida de los jóvenes adultos en Oslo (valdría cualquier ciudad europea), a partir de retazos de la vida de una joven. Pero también puede entenderse como una descripción fragmentaria del paso forzado de la juventud a la edad adulta, con sus sinsabores, sus breves destellos de felicidad y sus renuncias.
ALCARRÀS (Carla Simón) 7,8 / 10
Alcarràs cuenta la desaparición de paulatina de un mundo, de unas formas de vida y su sustitución drástica por otras, al
igual que se arrancan los melocotoneros para poner placas solares. Lo
más interesante de la película de Simón es la forma en que muestra lo
rural a través de los ojos de las diversas generaciones que componen una familia. Ante todo, Alcarràs es una película cálida y humana.
PACIFICTION (Albert Serra) 8,2 / 10
Lo más atractivo de la película de Albert Serra es la atmósfera de constante misterio, de suspense, conseguida con tan pocos detalles y con elementos a veces extraños y desconcertantes. Albert Serra crea una película densa, enrarecida, en la que la realidad parece oculta bajo una pesadez de sueño tropical. Una ficción muy acertada en la que se cruzan la exuberancia y el carácter imprevisible del paisaje, la sutil lectura anticolonialista y las digresiones propias de un flâneur.
FUEGO - AVEC AMOUR ET ENCHARNEMENT (Claire Denis) 6,6 / 10
Fui a ver esta película al cine porque no había visto ninguna película de Claire Denis. Más tarde tendría la oportunidad de ver la gran obra de Denis, Beau Travail. Avec amour et encharnement es un drama de pareja en la madurez. La disonancia entre imagen y sonido es la que crea una tensión que amplifica lo que de otra forma podría ser un melodrama convencional. La película puede entenderse como una exploración acerca de la masculinidad herida y de la presencia ineludible del pasado en el presente.
ARGENTINA 1985 (Santiago Mitre) 5,8 / 10
Película de buenas intenciones y ritmo grandilocuente, realizada para el lucimiento personal de Ricardo Darín. Más allá de la importancia del juicio que relata, la obra destaca por las pequeñas peripecias familiares, para mí lo más interesante de la película.
AS BESTAS (Rodrigo Sorogoyen) 7,4 / 10
Sorogoyen se centra en un caso real de crónica negra, para explorar a través de él la brutalidad y la xenofobia provocadas por el aislamiento, con un conflicto entre atraso y modernidad. La película se articula en dos partes, una primera marcada por la tensión, por la agresividad latente y una segunda parte más pausada, más contemplativa, aunque también con diálogos y escenas de gran intensidad.
CLOSE (Lukas Dhont) 8,4 / 10
Close parte de una tesis: la presión social puede perturbar el desarrollo de la propia personalidad. Se podría acusar a Dhont de volver a jugar a la manipulación de los sentimientos del espectador, de forma implacable e incluso un tanto morbosa, como ya hiciera en parte en su primera película, Girl. Pero Close es una película hermosa en su fondo e intención, a la par que desgarradora (como también lo era Girl). Es imposible quedar impasible ante la intensidad propuesta por esta película.
MANTÍCORA (Carlos Vermut) 9 / 10
Mantícora es un artefacto explosivo completamente calculado, con una puesta en escena fría y recitativa, perfectamente plegada sobre sí misma, como suele ser habitual en Vermut. La película se adentra sin prisas en los oscuros límites que separan lo real de lo imaginado. Podría considerarse un tratado sobre el terrible paso de llevar a la realidad las fantasías virtuales, pero también puede interpretarse como una película romántica, ya que el amor puede suponer una tregua en medio de una ciénaga de oscuridad.
AFTERSUN (Charlotte Wells) 8,4 / 10
Aftersun es
una película de una insólita madurez para tratarse de una ópera prima.
Es una película sobre la memoria, sobre el recuerdo de un periodo de
intensidad, pero marcado por el dualismo entre felicidad solar y
oscuridad incomprensible. Wells desarrolla su película alternando
escenas livianas, incluso intrascedentes, con hallazgos visuales y
sonoros muy interesantes y prometedores. Tengo la sensación de que es una película que se va a convertir en algo grande con el paso del tiempo.
La puntuación que aparece junto a cada película es una valoración puramente subjetiva, basada en los siguientes criterios:
1. Aspectos técnicos y formales (fotografía, sonido, montaje, música).
2. Originalidad de la temática.
3. Guion y diálogos. Estructura narrativa.
4. Interpretaciones y construcción de los personajes.
5. Recursos visuales y narrativos novedosos y/o atractivos. Duración e intensidad.
No creo que haga falta decirlo, pero esta valoración hoy es esta y mañana puede que sea otra totalmente contraria. Así es la vida.
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| È stata la mano di Dio (Paolo Sorrentino, 2021) |
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| In the mood for love (Wong Kar Wai, 2000) |
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| Drive my car (Rysuke Hamaguchi, 2021) |
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| Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017) |
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| Persona (Ignmar Bergman, 1966) |
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| Beau travail (Claire Denis, 1999) |
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| El espejo (Andrei Tarkovsky, 1975) |
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| License to live (Kiyoshi Kurosawa, 1999) |
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| Past lives (Celine Song, 2023) |
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| Una confusión confuciana (Edward Yang, 1994) |
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| Parthenope (Paolo Sorrentino, 2024) |
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| El diablo probablemente (Robert Bresson, 1977) |
El pasado 1 de diciembre se publicó la lista de “mejores películas de todos los tiempos” que realiza cada década la revista británica Sight and Sound, a partir de una encuesta a críticos de todo el mundo. Esta lista de críticos suele ir acompañada de otra de directores, que no suele diferir mucho de la de los críticos, salvo en tres o cuatro títulos. La revista lleva realizando esta encuesta desde 1952, pero solamente desde 2012 tiene un marcado carácter global, al realizarse por críticos de los cinco continentes. Aun así, la crítica anglosajona sigue gozando de un peso consirable, y las tendencias creadas en estos países son finalmente las que acaban convirtiéndose en dominantes. De todas formas, la creciente diversidad de los encuestados es la que ha generado un resultado que al parecer no ha sido del agrado de muchos, que han calificado a la encuesta como “woke” o “políticamente correcta”. Se trata de reacciones poco sorprendentes, las propias de algunos sectores actuales que ven toda novedad como una amenaza. El principal motivo de polémica deriva de que el primer puesto lo ocupe una película marcadamente feminista, obra de una directora; una película relativamente desconocida que ha acabado desplazando a “clásicos consolidados”.
Dado el revuelo suscitado, cabe recordar que el “canon” de Sight and Sound no es más que una simple lista, con todo lo de absurdo que ello comporta. Un topten no puede sintetizar, ni siquiera representar, la compleja vastedad de la historia del cine. Puede incluso resultar inmaduro querer establecer una jerarquía entre objetos que son de percepción puramente subjetiva, ya que en realidad ¿qué es mejor y qué es peor? ¿Qué criterios se utilizan para valorar la trascendencia artística? No existen criterios de normatividad universalistas, a menos que se crea en concepciones academicistas del arte. Cada época va escogiendo, a partir de criterios volátiles, muchas veces determinados por razones sociales, aquello que considera más destacable. Por tanto, es más interesante analizar este tipo de ejercicios como indicadores de una particular visión del cine en un determinado momento.
De todas formas, este análisis tampoco debe ser demasiado concienzudo. Reducir los propios gustos o intereses a una lista de diez nombres exige muchas renuncias y simplificaciones, que imposibilitan tomarse demasiado en serio los resultados. Una lista así sirve como divertimento, como reflejo un tanto caricaturesco de un periodo. Aunque quizá su aplicación práctica más positiva sea la de dar a conocer películas más rebuscadas o menos accesibles.
Si se repasan los listados de años anteriores, se pueden apreciar tendencias, criterios implícitos, incluso políticos, con lo cual ninguna lista es “inocente”, sino producto de su tiempo. En la primera, la de 1952, llama la atención la total ausencia de películas del cine norteamericano, precisamente en su periodo de máxima eclosión. De hecho, tan solo se incluye Intolerancia, por su carácter casi fundacional del lenguaje cinematográfico, y dos películas de Chaplin, repudiado por los Estados Unidos en aquel momento. Por su parte, en las listas de 1962, 1972 y 1982 se deja notar la presencia del cine moderno. El cine era todavía un medio en construcción, con un lenguaje que todavía se podía subvertir, de foma que en estos años fueron numerosas las películas casi contemporáneas. Sorprende la entrada fulgurante de La aventura en el segundo puesto en 1962, dos años después de su estreno, o la presencia de dos películas de Ingmar Bergman en el listado de 1972. Posteriormente, en las listas de 1992 y 2002 comienzan a aparecer películas marcadamente de género, como 2001, una odisea en el espacio, The searchers o Cantando bajo la lluvia. Y si bien el listado de 2012 era muy historicista, con nada menos que tres películas de cine mudo y todas anteriores a 1970, el listado de 2022 refleja mejor los anhelos de cambio actuales: más mujeres, más cines de otras perspectivas no occidentales y cine relativamente más actual.
Este tipo de listas tampoco es ajeno a las revalorizaciones que suscitan las desapariciones de algunos cineastas. Así sucedió en varios casos. El maquinista de la general aparece por primera vez en 1972, tras la muerte de Buster Keaton en 1966. También sucede algo parecido en el caso de Vertigo, que aparece en la lista de 1982, tras la muerte de Hitchcock en 1980, o incluso en el caso de la película de Satyajit Ray en la lista de 1992. Algunas veces, la nueva generación revaloriza a un director, como sucedió con los directores norteamericanos de los setenta y el cine de Kurosawa: no extraña de esta forma la aparición de Los siete samurais en 1982. Cuentos de Tokyo entra en la lista de 1992, después de que algunos cineastas reconocidos como Wim Wenders o Jim Jarmusch comenzasen a reivindicarlo en los años anteriores. Esta vez, las muertes de Chantal Akerman (2015) y de Agnès Varda (2019) han servido también para revalorizar sus trayectorias. Se podría incluso pensar que la pérdida demasiado reciente de Godard ha impedido su entrada en el top ten con alguna película.
En fin, este tipo de listas sirven para pasar el rato, para dar a conocer películas un tanto olvidadas o que simplemente pasaron sin pena y gloria en su día. A aquellos afectados por los resultados no estaría mal recordarles que aquellos clásicos consolidados, desbancados de la primera posición, no siempre fueron obras reconocidas: de hecho, Vertigo en su momento pasó un tanto inadvertida.
Comparto a continuación una tabla comparativa en la que aparecen todas las películas incluidas alguna vez en el top ten de críticos y directores.
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| Jeanne Dielman 23, quai de commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, 1975) |
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| Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) |
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| Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941) |
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| Cuentos de Tokyo (Yasujiro Ozu, 1953) |
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| In the mood for love (Wong Kar Wai, 2000) |
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| 2001, una odisea en el espacio (Stanley Kubrick, 1968) |
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| Beau travail (Claire Denis, 1998) |
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| Mulholland drive (David Lynch, 2001) |
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| El hombre de la cámara (Dziga Vertov, 1929) |
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| Cantando bajo la lluvia (Gene Kelly & Stanley Donen, 1951) |